jueves, 27 de julio de 2017

10 consejos y 3 libros para ilustradores.


10 consejos y 3 libros para ilustradores.

El mundo de la ilustración es algo que está muy presente hoy en día, favorecido sin duda por una cultura cada vez más visual. La era digital ha favorecido el interés por la ilustración, dotándola de mayor flexibilidad y visibilidad a través de las redes sociales y de portfolios, pensados para dar a conocer los trabajos artísticos de profesionales o aficionados de todo el mundo.



Ilustración "seasick shymphony"



Ilustración de Spider Money


10 consejos para mejorar como ilustrador:

1.- El primer consejo y sin duda el más importante, es amar lo que haces. Sin embargo siempre habrá algo que no sea de tu agrado, en ese caso intenta buscarle otro beneficio a su realización.

2.- Ser constante, esto es vital en casi cualquier ámbito. Debes practicar con cierta frecuencia y no dejarlo por largas temporadas de tiempo.

3.- Se paciente, realizar un buen trabajo necesita tiempo por eso, no te desesperes. Siempre habrá algo que puedas mejorar de tu trabajo.

4.- Se crítico con tu trabajo y escucha diferentes opiniones de otros ilustradores sobre tu trabajo. Aprende de ellas y mejóralas pero siempre diferenciándote con tu propio estilo, ya que no hay nada más importante que ser único en tu trabajo, realizando proyectos con personalidad.

5.- Prepárate un buen portfolio. El portfolio es una excelente manera de darte a conocer a ti y a tu trabajo, pero para destacar es muy importante que selecciones tus mejores trabajos, no publiques aquellos trabajos de los que no estés muy convencido.

6.- Participa en comunidades de creativos. Además de crear tu portfolio entra en comunidades como BEHANCE, una de las más conocidas, o DOMESTIKA, con contenido de gran calidad. Con esto conseguirás mayor visibilidad y que otros creativos se fijen en tu trabajo.

7.- Encuentra tu propio estilo, normalmente se desarrolla con el tiempo pero debes intentar diferenciarte de otros artistas, toma referencias pero adáptalas a tu estilo. Tener un estilo propio y único es lo que te hará destacar del resto.

8.- Crea tu comunidad de seguidores: Abre perfiles en redes sociales como Facebook, Twitter, Instagram, Pinterest y publica en ellas tus mejores trabajos, de esta manera ampliarás tus posibilidades de conseguir fans.

9.- Preséntate y Busca clientes: Realiza un lista de tus potenciales clientes y muéstrales tu trabajo. Nuevamente asegúrate de mostrarle tus mejores trabajos.

10.- Participa en encuentros: Busca celebraciones y eventos de diversas temáticas como ferias del libro, salones del cómic, presentaciones, encuentros de profesionales del sector, etc. Podrás mostrar tu porfolio, hacer contactos y aprender de otros profesionales.

Además de estos consejos recomiendo algunos libros que te ayudarán a conocer mejor este mundillo:

- "50 años de ilustración" de Lawrence Zeegen y Caroline Roberts

Este libro arranca en 1960, en el momento en el que estalló la Revolución Cultural en China y en que Occidente vivía su propia revolución cultural y social. Los maravillosos sesenta, una década de cambios sociales y políticos sin precedentes. La década del sexo, las drogas y el rock and roll. Este volumen hace su selección de las mejores ilustraciones publicadas en el mundo en el último medio siglo y acomete la historia de la ilustración contemporánea a través de sus artistas más importantes; Maurice Sendak, Edward Gorey, Quentin Blake, Mariscal… Una obra clave para entender el momento actual que estamos viviendo y saber qué influencias han ejercido en nuestra vida gran parte de los artistas que se recogen en esta obra.

- "Cómo ser un buen ilustrador" de Derek Brazell y Jo Davies. Blume.

La ilustración es una disciplina diversa y en constante evolución dentro del ámbito del arte y el diseño, y este libro explica paso a paso cómo funciona este mundillo. Esta práctica guía ayuda a ilustradores noveles y consagrados a encontrar clientes, recopilar materiales promocionales y establecerse como ilustradores profesionales. Lo más interesante, sin duda, son los casos reales que incluye, consejos de primera mano de ilustradores en activo en diferentes fases de sus carreras.

-"Cómo ser ilustrador". Darrel Rees. Editorial Index Book.

El autor del libro nos cuenta en primera persona, como agente de grandes artistas de Estados Unidos y del Reino Unido, los misterios y realidades de esta profesión. Por eso nos ofrece una guía real y práctica para ilustradores independientes en ciernes. Nos va evitar los errores que pueden arruinar una carrera, los consejos para acertar en las primeras impresiones, cómo crear una cartera de trabajo y cómo abordar a los clientes. Con útiles consejos propios y ajenos, gracias a las nueve entrevistas que incluye con grandes ilustradores. Leyendo este volumen nos vamos a beneficiar de sus experiencias en sus inicios, qué aprendieron o qué sintieron en el proceso de cambio de estudiantes a profesionales; sus expectativas, sus experiencias. Además, un nutrido grupo de directores de arte y comisarios nos van a describir cuáles son los mejores cauces para sorprenderles y lo que realmente les disgusta y aburre.




miércoles, 19 de julio de 2017

Impresión lenticular, seguro que la has visto alguna vez:

Impresión lenticular ¿Qué es?


Aunque no sepas de que se trata seguro que alguna vez ha llegado a tus manos alguna fotografía utilizando esta tecnología. Si sigues leyendo descubrirás de que se trata.

Esta tecnología con la cual se lleva experimentando desde el siglo XVII, consigue moviendo el soporte y según el ángulo con el que miramos la imagen, un efecto tridimensional o de movimiento.

Estas imágenes se componen de una lámina de plástico y una imagen entrelazada. Esta lámina de plástico está formada por dos caras:

• Una cara que incorpora lentes las cuales consiguen que al mirar desde diferentes ángulos se puedan ver ciertos fragmentos alineados de la imagen entrelazada.
• La otra cara es la parte lisa que se utiliza para imprimir una imagen entrelazada.

Combinando estos dos elementos, la lente y la imagen entrelazada, permite que lo que nuestros ojos captan sea interpretado por nuestro cerebro como diferentes partes de la imagen, ubicada en la cara lisa de la lente.

La siguiente imagen ampliada muestra la capa de lentes:



La imagen entrelazada se consigue mediante software combinando varias imágenes, se crean bandas según patrones alternos y que requieren un alineado muy preciso con las lentes.

Las siguientes imágenes, muestran la imagen entrelazada en el centro:




Ambas son obras de Randy Noborikawa.

El resultado conseguido es que percibimos como la imagen se anima a medida que movemos la lámina o la observamos desde diferentes ángulos. Con cada movimiento del soporte, el ángulo de visión permite enfocar una nueva imagen que se amplía para llenar el ancho de la lentícula, de ahí que se llame tecnología lenticular.

Se usan dos tipos de lentes:

Lentes para pequeño formato: como postales, invitaciones, cromos, cartas, cuadros, decoración, etc. En este caso el observador mueve el soporte para visualizar el efecto.


Lentes para gran formato: como muppys, marquesinas, carteles, vallas... y en general cualquier soporte de un tamaño considerable que sea mostrado de forma estática. En este caso el observador es quién deberá moverse para ver el efecto.

Un buen ejemplo de esto es la campaña publicitaria que realizó la Fundación ANAR:


En este caso el uso de esta tecnología permitía que la gráfica se mostrará de manera diferente para los adultos y para los niños debido a la estatura desde la que veían el anuncio.

Por último os dejamos un interesante vídeo donde se explica como realizar el diseño de la imagen para una impresión lenticular usando Photoshop:




miércoles, 12 de julio de 2017

Los formatos de imágenes y sus múltiples usos

Formatos de imagen y sus usos.


En este artículo procederemos a detallar varios de los principales formatos de imágenes utilizados hoy en día en diferentes ámbitos. Las características de cada formato es lo que lo hace idóneo para un tipo de contenido u otro. Por ejemplo no es lo mismo una imagen para impresión a gran escala que una imagen para imprimir con un tamaño din A4 así como una imagen para una página web. Los formatos de imagen se pueden dividir en dos categorías principales, con pérdidas y sin pérdidas:

Con pérdidas:


Este tipo de formato descarta cierta información de píxeles de la imagen eliminando pequeños detalles apenas perceptibles para el ojo humano. Reduciendo de este modo el tamaño del archivo de imagen, y manteniendo un nivel aceptable de calidad. El uso habitual de estos formatos es principalmente la distribución y el almacenamiento de recursos gráficos como fotografías o imágenes con muchas texturas. Un uso para nada recomendable es utilizar este tipo de formatos para imágenes que tienen muchas zonas con color plano o muchos bordes, como por ejemplo aquellas que tienen mucho texto.

  • JPEG: uno de los formatos más conocidos. Es un formato muy utilizado en las imágenes de internet, cámaras fotográficas, dispositivos móviles, etc. Existen varias versiones de este formato. Se desarrolló una primera versión presentada en 1992, le sucedió JPEG 2000 que mejoraba e incorporaba algunas características, como la posibilidad de tener una imagen con distintas calidades según la zona, o la versión JPEG XR, más ligero, que fue desarrollado y estandarizado por Microsoft en 2010.
A continuación se muestra la diferencia de calidad y tamaño en cada una de las versiones de JPEG:


Este tipo de formato es muy utilizado en web debido a que a pesar de su compresión la imagen mantiene una calidad aceptable y su tamaño es bastante reducido lo cual hace que se descarguen más rápidamente incluso con conexiones móviles.

  • WebP: Este formato originario del códec de vídeo VP8 fue adquirido por Google y liberado años después. Aprovechó la tecnología VP8 para desarrollar un formato enfocado directamente a la web.
  • Con este formato se consigue una reducción del tamaño bastante importante, en torno al 30 y 60 %.

Este formato mantiene un razonable nivel de calidad incluso mejor que el formato JPEG, al menos para Web.

Sin pérdidas:

Estos formatos no tienen pérdidas de información y siempre conviene guardar una copia de este tipo de formato de imágenes, a pesar de que luego se le aplique algún algoritmo de compresión. Las imágenes que deberíamos almacenar en estos formatos son aquellas que contengan grandes áreas de colores planos, como capturas de pantalla o logotipos. El inconveniente es que aunque podemos guardar cualquier imagen en un formato lossless (sin pérdida) el archivo probablemente ocupe demasiado.

En la siguiente imagen se puede apreciar la diferencia entre una imagen comprimida y otra sin comprimir.

 
 A la izquierda la imagen sin pérdidas y a la derecha la imagen con pérdidas.

Algunos de los principales formatos de imagen sin pérdidas son los siguientes:
  • PNG: son las siglas de Portable Network Graphic. Se trata de un formato que no tiene pérdida de información. Se planteó como reemplazo al formato GIF. Su principal característica es la inclusión de un valor alpha para cada píxel, permitiendo así, que cada píxel tenga un nivel distinto de transparencia.
Las siguientes imágenes en formato PNG tienen fondo transparente:




Al juntar ambas imágenes podemos ver el sol detrás de la nube, ya que esos píxeles de la imagen de la nube son transparentes, esto se consigue gracias a la transparencia por píxel que ofrece este formato. 




  • BMP: es un formato de imagen de mapa de bits, propio del sistema operativo Microsoft Windows, puede guardar imágenes de 24 bits, 8 bits y menos. Este formato puede utilizar una compresión sin pérdida de calidad, la llamada compresión RLE (Run-length encoding), que consiste en secuencias de datos con el mismo valor consecutivo que son almacenadas como un único valor más su recuento.
  • RAW: este formato es muy utilizado sobre todo por cámaras fotográficas profesionales pero últimamente se está extendiendo cada vez más a otros dispositivos como los móviles. Aunque luego cada fabricante tiene su propio formato identificado por las siglas NEF, ORG, etc. Esto formatos se suelen procesar a otro formato más manejable como JPG, dado que almacenan toda la información captada por el sensor de la cámara y suelen tener un tamaño considerable.
  • Vectores SVG: Hasta ahora todos los formatos de los que hemos hablado están compuestos por píxeles. Esto implica que al hacer zoom inevitablemente en algún momento comenzaremos a ver la imagen pixelada.
  • Este problema lo resuelven las imágenes realizadas con vectores. Este tipo de imágenes, las vectoriales, están compuestas por formas geométricas (círculos, polígonos, líneas, elipses, etc) en lugar de píxeles. Están formas son renderizadas mediante una serie de cálculos matemáticos.
  • Uno de los formatos más extendidos es SVG, basado en XML y que actualmente es admitido por prácticamente todos los navegadores actuales.
  • Estos formatos son especialmente adecuados para gráficos simples como logotipos o símbolos.

Por ejemplo, si tenemos una pantalla que contiene una serie de formas geométricas de color negro sobre un fondo blanco, tendríamos una serie de secuencias con los píxeles negros y su recuento y igualmente con los píxeles blancos. De tal manera que la información que almacena la imagen sería la siguiente:
NNNNNBBBBNNBBBBNNNNNN
Con la compresión RLE nos quedaría algo así: 
5N4B2N4B6N 
Este formato no aporta grandes ventajas salvo quizás el hecho del bajo coste computacional para ordenadores muy antiguos. 


          Aparte del SVG existen otros formatos propietarios de Microsoft y Adobe.
A continuación se muestra la diferencia entre una imagen vectorial y una imagen formada por píxeles:


Existen otros formatos, algunos de ellos ya en desuso y otros son propietarios u exclusivos de ciertas aplicaciones, sin embargo estos son los más conocidos y utilizados.

En definitiva lo importante es utilizar el formato adecuado para cada tipo de gráfico teniendo en cuenta sus características y disponer también de diversas alternativas, como por ejemplo conservar una copia de una imagen sin pérdidas aunque luego generemos otra copia comprimida en un formato con menor peso para una página web.


lunes, 3 de julio de 2017

Fotografías retroiluminadas

En este artículo te mostraremos una serie de consejos que te ayudarán a mejorar en tus fotografías. 

Consejos para realizar excelentes fotografías retroiluminadas


Una vez que te sientas cómodo utilizando ajustes manuales con unas condiciones de iluminación ideales, es el momento de ir más allá y ser creativo. La retroiluminación aportará a tus fotografías mayor emoción y toques de fantasía, misterio y romance creando una atmósfera de ensueño. Realizar la fotografía utilizando completamente el modo manual te aportará más control sobre la foto, sin embargo, si utilizas el modo automático, tu cámara pensará que el objetivo se está exponiendo a la luz brillante y dejará al sujeto bajo exposición.

A continuación, listamos una serie de consejos para realizar excelentes fotografías retroiluminadas:
  • La ubicación:
Si estás empezando, encontrar un lugar adecuado será de gran ayuda. Un campo abierto con una fila de árboles de fondo es el lugar ideal. Cuando el sol se pone justo detrás de los árboles es el momento perfecto para conseguir unas imágenes increíbles, el sol se difunde a través de los árboles arrojando hacia afuera un resplandor dorado. Los árboles funcionan como un filtro dejando pasar sólo una porción de luz. Una vez controlado el entorno será más fácil realizarlo en otras situaciones.



  • Presta atención a la hora del día:
Los mejores momentos del día para obtener un brillo de luz de fondo es justo después de la salida del sol en la madrugada y antes de su puesta al atardecer. Algunos fotógrafos nombran a estos momentos como la "Hora de oro". Con el sol de fondo la luz quedará alrededor de los bordes del sujeto, creando un efecto de resplandor. Si decides probar a plena luz del día, asegúrate de que los sujetos estén girados de modo que sus caras estén en la luz uniforme y no hacia los rayos del sol. De esta manera tendrá la luz del borde detrás de ellos y una exposición uniforme en sus caras.



  • Enfoca:
Enfocar con retroiluminación puede ser complicado, ya que a menudo el enfoque automático de la lente se confunde con la luz que viene hacia ti. En esos casos inclinar el objetivo hacia la cintura del sujeto reestablecer el enfoque y, a continuación, mover hacia arriba el enfoque, hacia sus rostros.



  • Uso de la opción sobreexponer:
Cuando el sujeto está contra un fondo brillante, los ajustes típicos de la cámara suelen subexponer el sujeto.
Al sobreexponer, el sujeto estará más oscuro y más expuesto a la luz de fondo. En definitiva, reduce la velocidad de obturación a una cantidad menor a la señalada en el indicador de nivel de exposición.


  • Mantenga el sol fuera de la vista:
Un error muy común es enfocar directamente al sol al tomar fotografías con el sol de fondo, cuando lo correcto es dejar la fuente de luz principal, en este caso el sol, fuera del marco de la fotografía. De esta manera conseguirás una imagen con más detalles de la persona u objeto.



Aunque seguir estos consejos te será de gran ayuda no hay mejor forma de mejorar en tus fotografías que salir al exterior y hacerlo por ti mismo.